viernes, 26 de abril de 2013

Improvisaciones

En busca de fórmulas diferentes de composición...

Autorretrato triste y agobiada
Técnica mixta
40x40


Mujer sentada en bordillo
Tiza sobre cartón
30x40



Mafioso con máscara
Acuarela, lápiz y collage sobre papel
29x21



 


Prueba n1º:

Con ayuda de un poema de Benedetti
 
 


No te aferres al pasado
ni a los recuerdos tristes.
No abras la herida que ya cicatrizó.
No revivas los dolores y sufrimientos antiguos.

Lo que pasó, pasó...

De ahora en adelante,
pon tus fuerzas en construir una vida nueva,
orientada hacia lo alto, y camina de frente,
sin mirar atrás.

Haz como el sol que nace cada día,
sin pensar en la noche que pasó.

Vamos, levántate... 
 porque la luz del sol está afuera!


Prueba nº2:
Modelo posando





¿Conclusiones?
 
TODO VALE PARA COMPONER


jueves, 25 de abril de 2013

A lo Shakespeare

¡Artistas del pasado!- grité alzando el puño teatralmente hacia el infinito-, ¿dónde encontrásteis vuestra FE para seguir adelante?

¿De dónde surge la energía para creer en uno mismo?

¡Contestarme malditos!, y revelárme vuestro secreto pues vosotros no lo necesitáis más.

....
....
....


Al día siguiente me llamaron del concurso Alonso Cano para decirme que mi escultura había sido seleccionada para exposición! O.O


 

Garra de simurgh
Bestia mitológica del siglo XXVII a.C.

Restos encontrados en la antigua Babilonia
(se piensa que podría pertenecer
a la extremidad anterior izquierda del simurgh
cabalgado por el mismo Gilgamesh).



Día de exposiciones V

 



 



lunes, 15 de abril de 2013

Ideas, variantes, bocetos

En mi búsqueda de Libertad Creativa, intentaba construir una cara mediante recortes de distintas cartulinas, una mezcla meditada entre composición y poner cosas "al tun-tun". Lo cierto es que me lo pasé pipa; lo cierto también es que tardé un día entero en hacer esta parida.

 

Acabó siendo una especie de autorretrato.
Como no paraba de darle vueltas una vez terminado, decidí hacer algunas variantes en photoshop para distraerme, ver otras formas y colores, e incluso series. ¡Pero soy incapaz de decidir cual me gusta más!



 






sábado, 13 de abril de 2013

Ejercicios de Clase II:

Tercer ejercicio:

Tabla madera 100x70
 
Últimamente tengo un dilema porque siempre hay un momento en la construcción de la obra en la que tengo que decidir: por un lado, con el encaje y la estructura ya planteada, la cabeza me dice que avance según "lo que me dicen desde el exterior"; es decir: trabajo de tonos, luz, sombra y diferentes saturaciones del color. En eso, el ejercicio propuesto de complementarios con blanco y negro me parece muy útil. Pero por otro, y con la libertad que tenemos, se me antoja guiarme por sensaciones, es decir: investigar en la composición de la obra de una manera diferente a la "realista/oficial". Quiero pegar cosas, probar diferentes materiales para, al fin y al cabo, conseguir lo mismo que todos: representar al modelo. La imagen tiene que ser comprensible pero, ¿por qué siempre de la misma manera?

Ahora estoy en ese punto del ejercicio, y aunque mi cabeza me dice que siga con el trabajo de tonos, saturaciones y luces de los colores es algo que... no me apetece, ¡incluso me aburre! Y por eso quizá pienso que debería probar otras cosas, aunque eso también es arriesgado pues nunca sabes qué Demonios llegarás a representar. Creo que en esta clase puedo tener la libertad de intentarlo. ¿?

Primeros pasos: por primera vez escojo un fragmento en vez de hacer la modelo de cuerpo entero.

     


 

Hoy he trabajado un poco la luz y la sombra que modula la forma pero con la intención de insertar un elemento diferente. Había llevado varios tipos de papeles, pero al final el charol ha sido el que más me ha gustado.
Al poner el papel verde me he dado cuenta de que funcionaba bastante bien con la composición, pues no llamaba demasiado la atención. Mi idea principal era añadir el papel charol rojo cubriendo media cara pero para eso antes he trabajado un poco los rasgos de la modelo, porque no quería "poner por poner".
Ahora me gustaría que los blancos se me vinieran adelante, es decir, conseguir que haya luz y contraste, para que no esté todo tan igual. ¿zonas homogéneas de acrílico blanco?, ¿conté blanco?, ¿pastel?

Obviamente soy consciente de que la luz en el cuadro no contribuye tanto a destacar la figura sino que me sirvo de ella como un elemento más de composición; además la mano está poco analizada, pero la emoción de construir de una manera distinta a veces me distrae un poco del encaje. 


 
 
 

Avances de última hora:

Mañana tengo que enfrentarme de nuevo al cuadro y no sé por dónde tirar. Se me está conviertiendo en un Mondrian y esa tampoco era mi intención. En este punto, me gustaría tener ayuda, orientación...

Voy a intentar contestar estas preguntas: ¿qué quiero?, y ¿qué le falta a la obra? 

¿Qué quiero? No lo sé. Creo que no quiero hacer lo mismo de siempre y representado de la misma manera. Pero eso sigue sin ayudarme. ¿Qué le falta a la obra? Puff!! Objetivamente más trabajo de tonos, luces y sombras. Intuitivamente: mayor calidad gráfica. Quizá esté todo muy homogéneo pero me da pánico dibujar con creta blanca encima por si me paso, y menos aún probar con los pasteles. Entonces, ¿qué le hago? La luz compositiva ya la tengo, entonces el sentido de redibujar con creta blanca lo pierde. Sé que algo le falta, pero no sé el qué, y lo que es más importante: que lo que añada no desvíe la atención de todo lo que ya tengo. También puedo rascar para conseguir ciertas texturas pero... ya lo hice un poco y no fue suficiente. Si estuviera acabado, creo que me habría dado cuenta, entonces: ¿qué le falta?, ¿ritmo?, ¿contraste?, ¿LUZ? Mi instinto me dice que acabaré fastidiándola.

Creo que la mejor opción será sentarme delante de la obra y MEDITAR (además de pedir consejo a mis compañeros) xD

Continuará....





Continuación y cagada final:

Al final me hice un lío porque no sabía lo que quería. Probé con algo que me resultó interesante: borré media cara y la redibujé raspando contra la madera. Es un grafismo y una textura diferente, aunque no pegue nada con la obra. También estoy contenta con la modulación de la luz en los volúmenes del cuerpo y los tonos conseguidos, además de encontrar un gris que me gustó mucho para componer.







¿Qué he estado haciendo últimamente?

Historia de mi primera xilografía!

 
Reflexión:

Parece mentira pero esto cuesta mucho de hacer, ahora admiro profundamente los sistemas de reproducción que existían antes de la imprenta. En realidad cuando vamos a fotocopiar algo no es más que un grabado con una tecnología avanzadísima, pues la idea es la misma: estampar tinta sobre un papel para una mayor difusión. Pero el ahorro de tiempo es inimaginable: cuantas copias de libros antiguos se hacían a mano (¡grabando en la madera cada letra!) para obtener apenas cuántos ¿10, 20, copias?  Así el conocimiento también era limitadísimo, y por eso la importancia de viajar y conocer otras formas de aprender. Ahora eso no pasa: en casi todos lados se conocen casi todas las cosas. No hace falta viajar a otro país para consultar un catálogo pues lo puedes consultar en internet. El conocimiento se ha universalizado, y eso está genial.

Pero la contrapartida es que teniéndolo todo (o pudiendo acceder a todo) no se valora nada, porque no se conoce el esfuerzo que existe tras ello. Somos consumidores de imágenes y no sabemos ni de dónde vienen, ni quién las ha hecho ni cuánto ha costado hacerlas. Ahora desde este lado del escenario, comienzo a entender que un cuadro no se pinta en 10 minutos, o que una escultura merece algo más que un vistazo cuando uno se cruza con ella, porque este mundo nos obliga a avanzar, a ir rápido, sin paranos a observar nada de lo que nos interesa. Deberíamos trabajar más nuestra capacidad para valorar lo que nos rodea.

Para que entendáis estas reflexiones os pongo el proceso completo para hacer esta xilografía:

De un dibujo que hice en la feria de arte de Madrid entre cansada, inspirada y aburrida: siempre en mente las cuadrículas cubistas dibujé un conjunto que llevaba días en mi cabeza. También buscaba cierto contraste que últimamente se me escapa.


 

Lo segundo que hice fue dividirlo en zonas  para ver cómo podría quedar y después, idear cómo podría hacer el grabado con varios colores y una misma plancha de madera para ahorrar; lo que se llama "a taco perdido", es decir, que la matriz se pierde.

                        Primera estampación (fondo verde):

 

                       Segunda estampación en azul (aunque con la sorpresa de descubrir que los colores se transparentan, dándome un verde botella para las medias sombras):


   

                         Tercera estampación (se levantan los azules y se estampa finalmente el Negro):

 


En total suman unas 40 horas de trabajo; además de la tensión de que cada estampación encaje con la anterior, proceso de paciencia y muchas tilas.
Por cierto, el original gana mucho más al natural de lo que aquí puede apreciarse!

Después para entretenerme, he hecho varias pruebas de color en photoshop: 

 
 


 Quienes me conozcan saben que me he aventurado con el mismo tema en escultura... chan chan!




domingo, 7 de abril de 2013

Encuentro casual nº3:

Mikhail Larionov

 



 

No sé porqué, al final siempre me fascina lo mismo: la pincelada y los colores de este artista se parecen mucho a los de Marc Chagall, uno de mis Favoritos.


Día de exposiciones II

PALACIO DE CARLOS V

Museo de la Alhambra:

Allí se pueden encontrar algunas de estas bellas piezas de arte hispanomusulmán y Nazarí




 

Museo Bellas Artes de Granada:

Estas son las obras que más me han llamado la atención:

El bodegón de Sanchez Cotán.


La interpretación del Albaicín por Manuel Ángeles Ortiz, con una abstracción de las casitas blancas del barrio distribuidas por la ladera de la montaña.


Y la obra de Manuel Riviera de la Metamorfosis con tela metálica.



También tuvimos la oportunidad de ver las maquetas para la restauración del edificio El Partal, del complejo de la Alhambra que realizó Leopoldo Torres Balbás entre el 1923 y 1936.


 


CENTRO JOSÉ GUERRERO

Exposición permanente:

La sala que más me gustó fue aquella que está dedicada a la abstracción de una sencilla caja de cerillas; desde los bocetos iniciales a los cuadros abstractos de gran formato. Esta serie la realizó a su vuelta a España en los años setenta sobre las multiples variaciones de una caja de cerillas que más tarde acabaron independizándose y convirtiéndose en alcazabas, señales, solitarios y arcos. Todo ello fue gracias a la libertad que conoció en EEUU y su relación con el expresionismo abstracto.

 



 

 



Y finalmente esta obra en tonos azules y también de gran formato: