La fragua de Vulcano

Ayer debí sentir algo parecido a lo que sintió Velázquez cuando pinto este cuadro:

Estuvimos en Atarfe en la nave de fundición para ver cómo demonios funcionaba todo el sistema de moldes y reproducción. En especial la reproducción en bronce y las posibilidades para el artista. Cuando estudias História del Arte te comentan las técnicas de pasada; te hablan mucho de "la cera perdida", "sistema por puntos", etc... pero la verdad es que hasta que no lo haces y no ves cómo se hace no te enteras de un pimiento. Y lo de ayer fue...sorprendente:

 

  

Otra cosa que aprendí escuchando al técnico es que la técnica del azulete que nos enseñan en clase no tenía en la antiguedad un fin en sí mismo de reproducción de una obra final, sinó más bien pasar el modelado en barro a un material más duro y estable como la escayola para después poder hacerle a esa reproducción un molde por piezas o pasarlo a una talla en piedra por el sistema de traslado de puntos.

Ahora hay otras formas más cómodas y rápidas para hacer un molde (aunque siempre laboriosas). Por ejemplo el uso de la silicona, que copia a la perfección el modelo y elimina muchos problemas a la hora de la reproducción de la figura. La resina de poliéster para hacer la madreforma en vez de la escayola también es otro buen recurso. Pero estos materiales son más caros. Así que los artistas de pacotilla todavía estamos en la edad de piedra y seguimos haciendo moldes con escayola. Aunque en la fundición también se ahorraban mucho dinero con este material; la crisis afecta a todos.


Una de mis esculturas favoritas en bronce:

Il Pugile
Palazzo Massimo alle terme, Roma.

 

    

Su descubrimiento...:

Yo pasaba muchas horas en ese museo porque era gratis la entrada a estudiantes y estaba cerca de mi casa. Me sentaba en el sofá que había en la sala y pasaban las horas; a veces con mis amigos. Un día me dio por dibujarla, como para recordar cómo era; y sin tener NI IDEA de encaje, proporciones, perspectiva y anatomía, disfruté muchísimo. Por eso le tengo cariño a este dibujo aunque no sea gran cosa. Creo que en ese momento decidí que quería Aprender más, y qué mejor manera que estudiar Bellas Artes :)

Luego vinieron Boccioni, Gargallo...
y un mundo entero de formas diferentes de la escultura contemporánea!

Después de comprender que se puede esculpir mediante método directo (talla, ensamblaje...) o indirecto (moldes y reproducción), me pregunto cuál se amolda más a mis necesidades ¿? Por un lado, me gusta el método directo (en metal, en madera, en poliespán, en arcilla, plastilina..) porque ves cómo se hace, piensas mil cosas y cambias durante el proceso. Pero por otro lado, el misterio que esconde el molde una vez hecha la figura y la sorpresa de ¿cómo quedará? es muy atractivo. Además de que este método es mucho más uniforme.

En fin...

Último ejercicio de clase

Primera sesión: encaje y valoración de luces

Segunda sesión: construcción de la figura y búsqueda de contraste mediante las luces y las sombras.

 

Tercera sesión: he perdido luminosidad en esta sesión, me cuesta mucho valorar las luces en sus diferentes intensidades, posiciones y profundidades. Creo que en la cara es donde mejor lo he conseguido pero el cuerpo está todo muy parecido. Me resulta muy difícil primero diferenciar las luces y segundo, encontrar el tono adecuado para establecer cierta jerarquía entre ésas.

De todas formas creo que la figura se ha humanizado un poco mediante el modelado de tonos y estoy descubriendo muchos tonos escondidos entre el amarillo y el violeta, junto con el negro y el blanco.

 

Cuarta sesión: mmmm...después de hablar con el profesor descubrí ciertas cosas: tengo que darle una veladura en la cara y el brazo con un tono que simule el riego sanguíneo que es más cálido que las luces de tonos frías que le dan al cuerpo directamente O.O

Lo curioso es que eso era lo que me estaba costando diferenciar estos días: la cara tiene más saturación de color, ¡pero no de luz! Así que el próximo día... ¡manos a la obra!

Quinta sesión: bueno, esto es lo máximo que he conseguido sin copiarme a mí misma e intentando analizar luces y formas. De lo que estoy más contenta es del escorzo de la pierna y de lo que menos... ¡la mano!

Y en cuanto al color: lo que más me gusta son los tonos que he descubierto, y lo que menos... demasiada uniformidad para mi gusto. Pero estoy satisfecha porque con este trabajo me he obligado a Analizar, Analizar, Anlalizar.

 

Mujer Biónica

Modelo interpretado del natural

Pastel sobre papel ingres

100x70

 

Encaje y proceso:

   

Variantes, variantes y variantes:

   

Bocetos de clase/estudios de luz

Acrílico sobre cartón

30x40

                                                                                                            30 min.

                                                                                                            45 min.

Batiburrillo de artistas

Como mis referentes para el proyecto son ya muy conocidos (Picasso y Cezanne), me he esforzado en buscar otros artistas que por su plasticidad puedan ayudarme:

Estartús:
Lo descubrí en la feria de ArtMadrid y me llamó mucho la atención. Su biografía no tiene despercicio:

"Me llamo Jaume Mestres Estartús, y nací traumáticamente por cesárea el 15 de Febrero de 1949 en la clínica Ntra Sra del Pilar de Barcelona, con la mala fortuna de que el ginecólogo al abrir el útero me produjo una incisión de 7 cm en mi calota cefálica. Mi padre Jaime, comerciante y catalán, tuvo poca influencia sobre mi vida; mi madre, Mª Luisa, alemana natural de Hamburgo, persona muy culta y sensible a toda manifestación artística por lo que me han contado, me dejó huérfano a los 3 años de edad al fallecer del parto con fórceps de mi hermana Mª Luisa, la cual pudo sobrevivir al desastre. Suerte tuvimos de nuestras abuelas paterna( Teresa Claret Sra de Mestres) y materna( Käte Cördes- Bockellman, Sra de Estartús) que se hicieron cargo de nosotros. Después varias épocas de internados fueron conformando nuestra niñez. Tras nueve años, nuestro padre nos obsequió con una madrastra depredadora como la de la mayoría de cuentos infantiles; quizás su escaso interés por nosotros actuó de mecanismo de resorte para que nos pusiéramos las pilas. Estudié la primaria en las Teresianas y el bachillerato y Pre Universitario en los Hermanos del Sagrado Corazón. Estudié Bellas Artes, Arquitectura y Medicina , licenciándome en 1974 y doctorándome en 1977." [...] http://www.estartus.es/bio.html

                     

José María Sicilia:

Roberto Manzano:
Por lo visto... un crack del mármol.

   

      

¿Qué tienen en común?
PLASTICIDAD Y VOLÚMEN.

Otra cuestión de clase:
¿Vale más el continente que el contenido?¡¡¿?!!

Capítulo de Metrópolis nº1112 - Pintura Otra

El vídeo muestra cuatro propuestas nuevas para interpretar la pintura.

En un primer lugar nos habla de Guillermo Mora que intenta transmitirnos la sensación de que la pintura, como material, puede valerse por sí misma como obra. Él deja secar planchas de pintura pura y luego las empaqueta. Dice que aunque no se separe de los elementos tradicionales de la pintura (bastidor, lienzo y pintura), los usa de manera diferente.

La segunda propuesta es la de Patricia Gómez y María Jesús González en la que se plantean plasmar la memoria de un edificio, normalmente a punto de desaparecer, mediante enormes trasferencias de las paredes a lienzos. El resultado es muy pictórico. Me ha gustado el proyecto del Cabañal de Valencia en el que hicieron trasferencias de suelos, techos y pareces; habitaciones enteras, y luego los juntaron todos creando un enorme royo de tela que rememora algunos de las casas que ya no existen.  Yo diría que en este sentido podría considerarse más una obra de activismo porque muchos de esos espacios son rechazados por las instituciones. También me ha sorprendido de esta propuesta el carácter fortuito de lo pictórico de las telas estampadas.

Del proyecto de Esther Mañas me ha llamado la atención sus intervenciones en el espacio y la libertad que da al espectador de buscar con su mirada el encaje o encuadre "pictórcio" que más le guste. Ella propone un espacio, con unos tonos y una iluminación, y el espectador compone. Sus obras se acercan mucho a la rama del diseño pero el proceso es más bien una búsqueda con dierentes materiales, texturas y formas.

Y finalmente el reto que propone Elena Bajo a la historia del arte al explicar que en la antiguedad el artista se centraba en producir una imágen, pero que en una performance no sólo se produce una, sino muchas diferentes. Eso me ha gustado.


Conclusiones:

Lo he visto por si me podía ayudar en el proyecto, pero más que ayuda me ha confundido; lo que significan más puertas abiertas; más posibilidades. Me quedo con la Idea del ESPACIO COMO ELEMENTO PARA INTERVENIR.

En busca de variables a través de los límites

Este es el segundo boceto para el proyecto: y he disfrutado igual que con el primero.
El reto de este era un formato más grande e introducir nuevos lenjuajes gráficos. El primero era un A3 cartón pluma; el segundo, una madera DM 50x70. No obstante, mis intenciones han sido las mismas: dejar que la obra crezca con un lenguaje y necesidad propia a base de la composición por planos recortados.

Adentrarse por caminos de búsqueda es complicado porque uno desconoce por completo lo que hace. Mi intención es sacar a luz cierta imágen de mi cabeza (en este caso retratos), pero dejando un amplio espacio a la otra persona para que interprete. Los planos constructivos deben ser lo suficientemente claros y potentes para guiar al espectador pero no tan reveladores como para enseñar todo.
Es y no es; está y no está.
A mí me gusta así.

En cuanto a este ejercicio, comencé con una idea y acabé con otra. De la primera imagen a la última se aprecia cómo la obra toma su propia forma. Yo la escucho y la dejo actuar: "¿Que me dices que necesitas un rectángulo azul en este sitio con esta forma y esta opacidad?" Pues yo lo pongo.

    

Pero cuando la necesidad se queda muda (o tú sordo), todo se vuelve más complejo. Es en ese momento cuando uno debe alejarse de la obra y volver en otro momento. Al día siguiente continué: no quería saturar la imagen pero tampoco quería dejar de trabajarla, así que mientras hacía otras cosas la miraba, iba y volvía del salón para ver si se me ocurría alguna cosa... y avancé un poco más a riesgo de perder lo que ya tenía. Aunque mi intención esté satisfecha no soy objetiva para comprender el resultado final; y por lo tanto, me cuesta analizarla. Según la Gestalt: Ordenación, Variedad y Contraste son una buena manera para conocer si la obra tiene consistencia. Me he hecho esas tres preguntas y las he contestado todas, aunque sin demasiada profundidad todavía. Aún así, como diría António López, he llegado al límite de mis posibilidades, aunque la obra no esté acabada.

Conclusiones:

Aunque esta obra sea en apariencia más sencilla que la anterior me ha costado el doble de esfuerzo porque sorprendentemente en un formato más grande, uno debe pensar mucho mejor los planos compositivos para no perder de vista la globalidad. Por lo tanto, aún me resultará más difícil hacerlo en un tablero de 60 figuras, que es mi elección para el proyecto definitivo.



Pruebas con formas y colores diferentes en photoshop:

Efebo etrusco

 

Pregunta curiosa: ¿si cada vez compongo con menos elementos...?, ¿si cada vez me gusta más una mancha única...? ¿Significa que voy hacia la abstracción? No es esa mi intención... pero lo veo venir.

Al final Picasso y su cubismo, Cezanne y su obsesión por las formas geométricas supongo que siguen fascinándome. Además de esta obra que ví en Arco y que todavía aparece a veces en mi cabeza: