¿Tontería?

Conclusiones de últimamente

Parece una tontería pero de las sensaciones de este año pienso que los trabajos que se hacen sin ninguna intención, únicamente para expresarse, son aquellos que mejor quedan. Por ejemplo los dos primeros ensayos del proyecto tenían por único fin sacar una idea de mi cabeza, expresar en formas, colores y texturas una imagen/idea/sensación que no puedo hacer de ninguna otra manera (ni con palabras, ni con descripciones, ni gestos...). No es tan sencillo compartir una imágen con los demás cuando esta no es algo general (las Ideas de Platón!). Siguiendo con el filósofo griego: dos personas pueden compartir la Idea de silla como concepto pero sin una imagen pensarán en sillas diferentes según sus experiéncias, orígenes y recorrido. De ahí la importancia que ha tenido para mí este proyecto: quería intentar aprender a dar vida a esas imágenes/ideas/sensaciones que a veces surgen en mi cabeza para poder comunicarme con los demás.

Pero componer con el único fin de expresarse es bastante complejo porque es muy difícil aislarse de influencias, ruidos, palabras, pensamientos... Uno puede componer sólo con intuición y acabar perdiéndose en la nada; o por el contrario, crear con la razón y acabar con frialdad sus obras. Moverse en medio de esos extremos es lo más difícil. En las tres obras que presento como proyecto me he acercado a todas las posibilidades debido a las circunstancias:

en la primera obra, que surgió más como un juego, estuve más cerca de la intuición con la suerte de conseguir una imagen gracias a la concentración.

en la segunda obra sin embargo, conseguí una buena conjunción entre ni una cosa ni otra acercándome a veces a la intuición y otras a la razón, sin llegar a caer en ninguna de las dos. Esta fue la más difícil pero también mi preferida, porque me acerqué lo máximo posible a mi propia sensación. Consiguiendo una imagen con fuerza y expresiva.

la última es la que más me pesa, un poco por el exceso de confianza y otro poco por la necesidad de buscar el parecido. Ésta es la que más se acerca a la razón, y aunque tenga cosas interesantes, creo que desprende algo más de frialdad.

¡Tenía tantas ganas de pintarlo!
A veces el entusiasmo va en contra de uno mismo pero...
¿cómo se aprende a tener el entusiasmo justo? xD

Proyecto final

¿De qué va mi proyecto?

Mi proyecto este cuatrimestre ha sido una búsqueda. Sólo quería componer de una forma diferente a cuando lo hago en clase. No quería componer mediante tonos, sombreado y volúmenes, sino que he buscado nuevas formas (para mí) de decir lo mismo. El tema han sido los retratos.
El reto era sacar a la luz cierta imagen de mi cabeza siguiendo más mi intuición que la práctica aprendida en estos dos años de carrera. Mediante el collage he intentado dar volumen y plasticidad a las obras, pero siento que me he quedado corta; tengo que encontrar materiales que se ajusten más a mis necesidades.
La verdad es que nunca he prestado mucha atención ni a los collages ni a los retratos, pero ahora me encantan; representar lo que yo veo en esas personas me parece de lo más interesante. Con los collages que he hecho estoy contenta porque he conseguido herramientas y materiales para mi intuición pero no es el método que más me gusta. Prefiero componer con las cosas que tengo a mano pero sin ponerle nombre. Creo que en este proyecto sólo estaba ampliando mis horizontes.

Primer ensayo sin querer 
Lo más interesante de esta obra para mí es quizá la superposición de planos formando un sentido que ni yo misma conocía al principio. Me gusta la extraña construcción de los ojos.

Segundo ensayo inconsciente
Este estudio me gusta mucho porque me acercaba más a lo que quería pero sin la presión de encontrar nada preciso; sólo guiándome por la idea de Antinoo en mi cabeza. Lo que más me gusta sin duda es el pedazo de madera en medio de la cara haciendo las veces de nariz. También es interesante haber incluido las grapas como elemento compositivo, sin miedo de que quedaran feas o bonitas.

Tercer ensayo a conciencia
En esta obra he encontrado más dificultad por el tamaño y por la presión de mantener el parecido mientras construía las formas. Lo que más me gusta es la solución del pelo y la sorpresa más grande ha sido la zona de la maya metálica con el negro debajo.

Última obra
Bocetos
En éstos buscaba la pose, las formas esenciales de la cara y el movimiento del pelo.

   

Proceso

Lo que más me ha costado ha sido trasladar el parecido al lienzo.

 

    

Variantes:

Conclusiones:

La plasticidad, el volúmen y el espacio han sido mis principales preocupaciones. Quizá son estas más de una escultora que de un pintora pero es lo que hay. Me gusta Pintar y me gusta Esculpir. ¿Por qué no puede ser todo esto Uno para mí? Me gustaría encontrar una manera que aunara esto y se convirtiera en un medio útil de comunicación para mí.

Jeff Koons, M. Cattelan y G. Schneider

¿Qué tienen en común estos artistas? 
En primer lugar estuvieron activos en la década de los 80, marcada en Estados Unidos por el consumismo radical y el Pop Art en el arte. Y una europa de postguerra, menos colorista que seguía el humor absurdo de los dadaistas. Estos factores afectan notablemente en sus obras.
Al mismo tiempo surgen nuevas maneras de ocupar el espacio, de entender la obra dentro de éste y actuar en él. Los happenings y performans son habituales en las obras de estos artistas.
Otra característica sería el tono de humor con el que tratan sus obras. A veces negro, a veces tétrico o curioso... pero no es más que una forma velada de crítica. Piensan que sus obras son suficientenmente impactantes como para que el espectador opine por sí mismo, por ello evitan muchas veces explicarlas directamente, pues de esta manera dejan espacio a múltiples interpretaciones. Para ellos el concepto es algo importante, pero no están dispuestos a darlo mascadito y que el espectador olvide la necesidad de reflexionar.

Jeff Koons
Es un artista que supo retratar, con materiales, técnica y temas, a la sociedad de su época. Los americanos de los años 80 soñaban con fama y riqueza, un sueño producido por el bienestar económico de la postguerra europea. Koons intenta mostrar ese consumismo desenfrenado, ese afán de espectáculo y el mundo de escaparate en que vivían durante esos años. Por eso sus esculturas adquieren cada vez más tamaño, porque ensalzan lo efímero hasta límites insospechados, como en su obra Puppy.

También es un artista que levantó mucha polémica por sus esculturas eróticas. En una sociedad falsamente puritana, cualquiera de estos temas era rechazado sistemáticamente. Estas obras están hechas en porcelana, material que consideraba muy sensual.

Maurizio Cattelan
"L’arte è uno specchio: ci restituisce l’immagine di ciò che siamo, o di ciò che diventeremo."
De sus obras me ha llamado la atención la radicalidad a la hora de presentar sus ideas.

G. Schneider
Los espacios que crea este artista son realmente interesantes, tanto por las formas como por las texturas. Muchos de sus obras me recuerdan al expresionismo alemán y a películas como El gabinete del Doctor Caligari o Metrópolis. Espacios imposibles pero que existen gracias a su trabajo.
La que más me ha gustado de las que he visto ha sido la del cubo negro. No sé qué relación tendrá con el cuadro de Malevich ni con la Kaaba, pero está claro que comparten intenciones.

   

Conclusiones:
Creo que soy mucho más clásica en cuanto a la manera de sentir el arte. Aprecio, disfruto y comparto estas nuevas formas de arte como concepto, hapening, etc, pero donde esté una obra de Oteiza, de Tápies, de Barceló... con sus texturas, sus temas y sus formas... Ellos siempre me transmiten y consiguen estimular mi imaginación y mis sentidos con su obra. No ocurre lo mismo con otro tipo de arte que sólo provoca un estímulo de reflexión. Para mí el arte es MÁS.

Antoni Tápies

Sobre el documental

"L'angoixa es el que produeix els estats més profunds del coneiximent", diu Antoni Tápies.

Me ha gustado de él como persona su necesidad de mostrar la realidad a los demás a través de su mirada, de sus continuas reflexiones y encrucijadas. Dice que su obra es más bien de tipo reflexivo para producir una introspeccion en aquellos que conectan con su manera de ver el mundo. Tápies entiende el arte como una forma más de conocimiento y confía en influir a través de sus obras en la conciencia de quien las observa. Esto lo hace a través de los materiales y los símbolos constantes que surgen inconscientemente de sus vivencias. Piensa que el pintor es como un mago o chamán, quien deja que la obra surja por sí misma y con un lenguaje propio, dejando atrás el lastre de la tradición pictórica representativa.
Sin embargo sus obras, aunque estén pobladas de símbolos, caligrafía y mensajes, no pueden traducirse a conceptos o palabras; son más bien experiencias que o se comparten cuando la obra te emociona o no.

Una de las constantes de Tápies es el símbolo de la cruz. Él explica que éstas son donde se unen las contradicciones, son encrucijadas, el símbolo del más y el menos, los contrarios... que es al fin y al cabo la energía que hace avanzar según piensan los hinduistas, religión que admira profundamente.
Otra aspecto interesante es el que llama como: "la experiencia del sufrimiento", tanto físico como de la época. Tápies vivió la Guerra Civil española, y entre los 13 y los 17 sufrió una enfermedad que le mantuvo en cama. De esa postración e inactividad surgiéron sus reflexiones hacia una mayor profundidad, hacia una hipersensibilidad y una imaginación excitada por la soledad. Aquel aislamiento es el que forma ahora ese mundo tan rico que podemos apreciar en sus obras.


Breve reflexión sobre materiales:
Parece una tontería pero conocer las cosas que te rodean y su funcionamiento hacen a uno sentirse mejor. Lo digo porque Tápies tenía un lenguaje propio surgido de una estrecha relación con los materiales de su alrededor. Pero no sólo se trata de eso, sino de que cuantos más recursos conozca uno para desempeñar una tarea mejor será el resultado. Eso en nuestra carrera es indispensable.
Creo que la tecnología aliena de muchas formas nuestros sentidos porque por ejemplo, si se nos rompe la lavadora o el microondas no sabemos como arreglarlo, ni como se llaman las cosas que lo componen, ni las herramientas que podemos usar, sino que... a la basura y compramos otro. Creo que aprender a conocer el mundo que nos rodea con nuestras manos, oidos, sentidos, es parte del crecimiento de una persona. Un ejemplo: muchas veces en escultura me siento muy muy muy estúpida por no conocer herramientas y materiales básicos. Y me frustro mucho porque al no conocer éstos y sus posibilidades no puedo dar vida a mis ideas. Este cuatrimestre he aprendido a usar nuevas máquinas, herramientas y materiales que me han dado la Vida: me han dado ideas y posibilidades. Por eso Aprender es tan peligroso, y precisamente ahora, en un momento en que nadie quiere que los jóvenes tengamos ideas propias para pensar de una manera diferente a ellos.

El rincón del Grabado

Linóleo

 

Pruebas de color

 

Xilografía

Punta Seca

Atlante

Bocetos de anatomía y luces
(como véis están al contrario porque al estamparse la imagen cambia de sentido)

   

Aguafuerte

Proceso y bocetos

 

   

Barniz blando

Entrada a medias II Terminada

Escultura en metal

Referentes:

Homenaje al pintor Marc Chagall

Gargallo

 

Cuando ví esta imagen me llamó muchísimo la atención cómo 

los espacios y los huecos aportan significado a la imagen.

Bocetos e idea:

 

Maqueta en cartón:

 

Proceso:

 

    

Lo más divertido de este día es que cuando la tuve medio estructurada me dió por darle la vuelta y ¡me sorprendió muchísimo! ¿Cómo puede ser que me pase tardes haciendo una cosa y luego sin querer descubro que la parte de atrás es casi más interesante? xD

A contraluz:
El objetivo de esta foto era descubrir si había conseguido eso que buscaba; el espacio como composición. Quería comprobar si los huecos que deja la figura aportaban significado a la imagen.

Todavía no esta acabada, tengo que pensar en textura, pátina, colores y base.... ¡en escultura parece que el trabajo nunca termina!

Segunda parte:

Texturas

 Pátinas

 

Sobre esta foto hice varios estudios de color para no hacerlo por hacer, la escultura me gustaba y quería ver las distintas posibilidades.

 

¡Manos a la obra!

Una de las cosas que más me gusta y no tenía ni idea de como resolver era la cuestión de la base porque solo había pensado en la cabeza, en cómo debían ser sus formas y cómo construirla pero... nada más. No podía ser nada que le quitara importancia al retrato, aunque debía tener consistencia para sujetarlo. Así que hice una abstracción de cuello y hombro y lo planté en una piedra blanca, que además contrasta con el material de la escultura.
Y lo que menos me gusta es la frontalidad. Las formas de esta escultura son atractivas por delante y detrás, pero no es una escultura para rodearla. Los volúmenes son demasiado planos para mi gusto; intentaré que en la siguiente haya más juego de formas, espacios y volúmenes.

Aún con todo... este es el resultado final: