Juego de sugerencias; nada más.

¿Qué nos sugieren esas imágenes?

Joan Hernández Pijuan

 

 

Hay que intentar evitar los prejuicios de desdén como: ¿es esto arte? ¡Eso también lo hago yo!

Demos ya por sentado que la persona que ha hecho esta obra es alguien que le preocupa cómo comunicar lo que siente de la manera más eficaz. No es que uno quiera coger el camino rápido y "hago una casa y ya está". 

Vamos a desatar la poesía de nuestra imaginación:
¿para qué dibujar una casa figurativa-realista-fotográfica? Una casa así nos daría demasiada información (sobre quienes podrían vivir en ella, clase social, niños, perros); en cambio esta... nos deja infinito espacio para la imaginación, para que volquemos nosotros nuestros recuerdos, ideas y sensaciones sobre "la casa". El artista probablemente sólo haya querido ayudarnos con un color apacible, tranquilizador y neutro para darnos la oportunidad de vivir otra sensación diferente.

Dan Flavin

Este artista utiliza tubos de neón para crear ambientes y jugar con la luz. Otra vez surgen los prejuicios: ¿es esto arte? ¿tubos de neón? Pero también podríamos decir: ¿por qué todos debemos expresarnos de la misma manera? ¿y si uno en vez de usar pinceles usa neones para decir exáctamente lo mismo? ¿y por qué neones?

¿y por qué no?

Los neones son sólo una herramienta más para la comunicación del artista. ¿Por qué no crear espacios llenos de luces diferentes que nos trasladen a otros lugares, a otras sensaciones? Mejor para nosotros si los artistas buscan diferentes formas de llenarnos de sensaciones nuevas y sutilmente diferentes a las más cotidianas como hambre-hunga-hunga-dormir-autobus-trabajo. ¿Por qué cerrarnos a otros mundos que sólo quieren llenarnos?

Clyfford Still

 

¿Este artista qué tiene? Hay algo de violencia en la fuerza y forma de esas manchas y el contraste duro entre los tonos... ¿importa realmente de dónde venga esa dureza? ¿o lo que importa es si nos llega a nosotros como espectadores? ¿Qué es más importante en una obra como esta: entenderla o sentirla? Porque aunque quisieramos entenderla racionalmente sería bastante complicado al no haber un código de imágenes compartidas (un árbol, un paisaje, un edificio...), tendríamos que averiguar (en el caso de que nos importara) por qué el artista se expresa de esa manera, cuál es su carácter o la sensación original por la que pasó y quiso traducir en pintura y trasladarla al lienzo... es una tarea complicada. ¡Que levante la mano quien se conforme con la sensación, su imaginación y las experiéncias propias para interpretar cualquier obra!

MOMPÓ

Fernando Zóbel

A mí me parecen mariposas en pleno movimiento... ¿es verdad, es mentira?
La verdad es que no me importa en absoluto porque la sensación de movimiento, los misteriosos trazos y los tono matizados con veladuras son capaces de trasladarme a otros mundos. Suficiente.

Albert Casamada

Ésta última imagen me gusta especialmente porque nada más verla he pensado: villa médici, Velázquez, árboles, geometría, renacimiento. En ese orden. ¿Y quien soy yo para negarle a la imaginación el placer de relacionar ideas, conceptos, recuerdos...?

Antoni Clavé

Mark Tobey

 

Reflexiones sobre abstracción

Ensayos para rescatar el arte

Rudolf Arnheim

¿Qué sabemos de la naturaleza del arte abstracto? ¿Qué ha hecho por nosotros? y, ¿qué limitaciones tiene?, se pregunta Arnheim una vez pasado el boom de la abstracción y habiendo demostrado que no era sólo una moda. Parece que la figuración haya venido en modo hiperrealista para vengarse de ésta última dice el autor.

El término abstracción suponía al principio una separación en la representación de la realidad física. Con el tiempo intentó también anular el espacio tridimensional para trasladarnos a otras realidades internas más relacionadas con las sensaciones y emociones porque: ¿una emoción tiene dimensión espacial?, ¿tiene una representación concreta?, o ¿es más acertado acercarse a este mundo por colores, formas y texturas? ¿cómo es la imagen en nuestro interior cuando pensamos en una emoción? De eso trata la complejidad del juego.

Pero el hecho de componer con formas, colores, volúmenes, geometrías y otros mil millones de materiales no significa que poner algo ahí ya sea bonito sino que debe encontrarse una composición basándose en el peso de los colores, las formas, como están dispuestas esas manchas y buscar una profundidad diferente a la del exterior referencial. Sin embargo siempre se corre el peligro de caer en el decorativismo. Muchas abstracciones, si no tienen esa vitalidad, profundidad y fuerza desde la base, caen en la facilidad de “lo bonito”. No se trata de que una obra abstracta sea bonita, se trata de que impresione que impacte y que te lleve a las profundidades de un abismo desconocido. Por eso la necesidad quizá de los grandes formatos, porque al contar con menos recursos (una casa, un árbol, una flor…) necesita más superficie para expresarse.

La verdadera complejidad reside en expresarse con el propio material sin tener códigos compartidos por todos y llegar a emocionar a quien observe la obra sin necesidad de que éste se pregunte lógicamente nada. Sólo que vibren sus entrañas y se quede eclipsado por una sensación que le haga evadirse por unos momentos de la realidad que le rodea.

Miguel Ángel Campano

Nace en Madrid en 1948. Estudia Bellas Artes en Valencia. En 1971 conoce a Fernando Zóbel y, tres años después, a José Guerrero, un artista fundamental en diferentes momentos de su trayectoria. En 1975 se traslada a París, ciudad con la que mantendrá una profunda relación y en la cual entrará en contacto con el trabajo de los maestros franceses que más tarde reaparecerán en su pintura: Cézanne, Delacroix o Poussin. Los diferentes viajes a Grecia, en 1983, o a la India, en 1994 y en 1995, así como su residencia en Sóller (Mallorca), han marcado diferentes etapas de su labor. También la amistad ha sido relevante para el desarrollo de su obra pues, como le habría enseñado José Guerrero, la relación entre el arte y la vida es siempre algo fundamental. http://www.march.es/arte/coleccion/ficha.aspx?p0=29&l=1&p1=1 

Sólo sugiero atender a la composición, a los pesos de los colores, a la disposición de los mismos... "cuatro manchas" no se sostendrían por ellas solas. Como decimos en clase: el tema sólo es la excusa para pintar. En abstracción la materia pictórica habla por sí mísma y el artista debe ser valiente para dejarla hablar y no usar siempre el salvavidas de la figuración.

¿Por qué asusta la abstracción?

El arte abstracto

Anna Moszynska

Según el texto de Anna Moszynska, este tipo de expresión plástica deja perplejas a muchas personas porque parece inconexo con el mundo de las apariencias y escapa a su comprensión y juicio. Es como un desafío que muchos ni siquiera aceptan plantearse: ¿cuál es el tema?, ¿es arte o decoración?, ¿qué criterios son necesarios para poder valorarlo?, ¿qué pretende?, ¿por qué no representar un paisaje normal en lugar de cuatro rayas?

Existen diversos tipos de abstracción: uno proviene directamente de un punto de partida de la realidad exterior que el artista va simplificando y seleccionando hasta separarse del original conservando a veces ciertas similitudes estilizadas o de color y otras veces ninguna relación. Ésta es una estrategia totalmente válida que tiene el artista para crear imágenes nuevas. No hay más que nombrar a Cezanne y su descomposición sistemática de las formas hasta representar el mundo que le rodea en una síntesis de círculos, cuadrados y triángulos.

La otra abstracción viene de la mano de los avances científicos de este último siglo. La aparición de la fotografía hizo irrelevante la necesidad del artista de representar el mundo exterior y se buscaron nuevos campos que investigar y desarrollar como las realidades subjetivas y las emociones. March Chagall decía que su mundo interior era mucho más real que el exterior. No obstante al no tener referencias comunes (externas), en estos ámbitos cobran importancia la dimensiones de los colores, las texturas, las geometrías, las gradaciones y una la infinidad de recursos que el artista usa para expresar ese mundo interno y mostrárnoslo. En cierta manera, Moszynska piensa que todo el arte abstracto podría considerarse representativo por cuanto se refiere a la representación de una intención, un concepto, una idea o una sensación.

Por mi parte creo que esta peculiaridad de la abstracción es un importante punto fuerte pues representa una realidad no visible (una de la que no estamos cansados todavía), aquella que está dentro de cada uno con sus colores, formas y dinámicas diferentes. Son mundos diferentes ricos de millones de posibilidades… que es en definitiva el campo de la creación. Y para aquellos que piensen que “el arte ha muerto”, no saben que dentro de cada persona existen universos que sólo esperan a ser descubiertos.

Gottlieb

¿Importa lo que se haya querido representar?

 

Inspirador: Jason deCaires Taylor

Yo que soy de agua salada, rocas y los colores del fondo del mar la obra de este artista me emociona y atrae de manera irremediable. Jason deCaires Taylor es un escultor inglés especializado en un tipo de obras escultóricas que sumerge bajo el agua marina y con el tiempo acaban creando vida marina en forma de arrecifes de coral. Los colores, las formas y la vida que se crea en ellas me parece un Triunfo Artístico de este artista. ¿Qué hay más bonito que crear movimiento y vida a partir de una obra?

Este artista combina sus pasiones y habilidades (buceador, fotógrafo submarino, escultor, conservacionista) para dar a entender que la intervención humana en el medio no tiene por qué ser mala, sino positiva y sostenible. Él prepara sus esculturas con materiales afines al mar y la vida subacuática. En un principio tienen forma figurativa pero el paso del tiempo va ocultando sus formas para integrarla en el nuevo espacio marino.

Día de exposiciones V ¡Picasso!

¿Y por qué no?

¿Y por qué no?; me pregunto siempre que veo las obras de Picasso.

Retratos Obtusos

Realmente no sé muy bien qué significan estas imágenes que yo llamo obtusas. Son como una serie de retratos in fraganti en los que las personas retratadas aparecen representadas por apenas unos pocos datos característicos: el músico ambulante de los meses de verano al que nunca he visto la cara pero que siempre toca la misma canción, acompañándose del acordeón. ¿Cómo será su vida?, me pregunto. Debe ser una persona que vive sólo su presente, pues siempre toca la misma canción para ganarse la vida y parece que no haya más que el querer comer ese día de lo que gane en su ronda. Si tuviera ambiciones aprendería más canciones; si tuviera un futuro digno buscaría un público estable. Y sin embargo debe ser una persona honesta, pues se gana la vida escuchando una y otra vez una melodía que encoge el alma de quien la escucha. Me recuerda un poco a los músicos de Marc Chagall.

Músico Ambulante

Pintura de seda,

gutta sobre tela

40x50

¿Y esta otra imagen del Efebo? Eternas son las historias del amante de Adriano, Antinoo, del que su muerte fue tan sufrida que el emperador mandó reproducir su efigie por medio mundo. Quizá en su representación estén escondidos los sentimientos del emperador hacia su amante (quizá en el efebo- el eterno y joven adolescente-, esté el secreto de esa juventud). Pero yo sólo veo una imagen obtusa en mi cabeza y el misterio de una personalidad que tuvo en su poder la alegría máxima y la pena más absoluta del mismísimo Emperador de Roma. Cuando pienso en Antinoo, a mi corazón y mi mente sólo viene esta imagen:

Efebo nºII

Pintura de seda,

gutta sobre tela

60x80

Y así con los muchos misterios de quienes me rodean; de unos me pregunto: ¿por qué esta doble sensación de...? ¿qué pasará por su cabeza para que...? ¿por qué me llama tanto la atención...?

Abuelos

Pintura de seda 

y gutta sobre tela

50x70

Compañera de piso

Pintura de seda

y gutta sobre muselina

Sevillana

Pintura de seda

y gutta sobre tela

Estos últimos están hechos a ordenador pero la idea es la misma: ¿como se imagina mi cabeza la idea del pintor antiguo, del pintor de flandes u holanda del s. XVIII? o, ¿cómo ve mi corazón la mítica imagen de la Gioconda?

Pintor holandés s.XVIII

Técnica digital

29X42

 

 Reinterpretación

Técnica digital

29x42

Proyecto EXVOTO IIIª parte

Después de mucho esfuerzo... ¡aquí está mi Idea hecha Realidad! Eso es lo hermoso de la escultura, que es Física, Real y comparte el Espacio contigo.

Me gustaría pensar que éste no es un objeto más que ocupa espacio en la habitación: esta figura está hecha a propósito, surgida de los sentimientos, reflexiones y esfuerzo de una persona. Por lo tanto no debería observarse como algo más; como un jarrón, un mueble o una televisión... esta figura es como una Declaración, pues surge del corazón de quien la realiza. Una escultura es algo especial y diferente que llena el espacio que comparte contigo. Lo mismo sucede en cuanto al resto de trabajos escultóricos: hay que intentar no pasar delante de ellos como si no fueran más que algo decorativo sino contagiarse de la emocion que el artista puso en ella mientras la hacía.

 

...

...

...

Una vez satisfecha la Idea de sí misma se independiza del Artista y se convierte en algo vivo y coherente que es capaz a su vez de crear e inspirar otras Ideas a aquellos que la observan. Este constituye su propio ciclo Vital; y su destino: la Eternidad.